Pop Art

Pop Art

"Se a arte tem como conceito imitar a vida, a pop arte cumpre esse papel com excelência." 

A Pop Art foi um movimento inspirado na cultura de massa, ou seja, popular, essa vertente transformava temas do cotidiano em obras, refletindo de maneira criativa e ácida os traços e contornos da sociedade de consumo. Surgiu no final dos anos 50, foi nos Estados Unidos e na Inglaterra que ela teve destaque. Suas raízes provém do dadaísmo de Duchamp (a utilização do non-sense ou falta de sentido que pode ter a linguagem, como na fala de um bebê) e tinham como objetivo fazer oposição ao expressionismo abstrato, que predominava desde o término da Segunda Guerra Mundial, trazendo a tona o conceito de arte figurativa.

Uma das principais características da pop arte era a crítica irônica que fazia a sociedade, por meio dos objetos de consumo. Temas da publicidade, quadrinhos, ilustrações entre outros, eram constantemente utilizados como inspiração para compor sua trajetória no mundo das artes.

O Brasileiro Romero Britto é considerado um ícone da cultura pop, tem criado obras-primas que invocam o espírito de esperança e transmitem uma sensação de aconchego, colecionadores e admiradores a chamam de “arte da cura”. Sua arte contém cores vibrantes e composições ousadas, criando graciosos temas com elementos compostos do cubismo. Britto tem suas pinturas e esculturas presentes nos cinco continentes e em mais de 100 galerias no mundo.

A Pop arte continua atual e é um recurso muito utilizado em publicidade.

A campanha “Yes, we can!” de Barack Obama para a corrida presidencial nos EUA, teve a utilização de recursos do “pop art” e representou uma inovação na comunicação visual de campanhas políticas, evidenciou o aspecto jovial de Obama em contraposição ao septagenário John McCain. A campanha de Obama causou forte impacto no mundo inteiro, levou prêmios e obteve a resposta esperada: vitória nas urnas.

Lady Gaga


(Faça sua Pop Art clicando aqui!!!)

Todos no Combate

Sensibilização Contra o Mosquito Aedes Aegypti

A Campanha Todos no Combate promovida pelo Centro Educacional O Amanhecer tem como meta alertar professores, alunos e funcionários das escolas para a necessidade de combater o Aedes.

O mosquito, encontrado em todos os estados do Brasil, é o responsável pela transmissão dos vírus da dengue, zika, chikungunya e febre amarela. Por isso, sua proliferação é uma ameaça importante à saúde pública.

Participe dessa campanha com a hastag: #TodosNoCombate publicando uma ação ou o banner da campanha. Faça sua parte!!!

Banner da Campanha #TodosNoCombate

Fantoches

Fantoches

Um fantoche é um boneco manipulado ou movido por uma pessoa para distrair outras. O fantoche pode ser um boneco que lembre um ser humano, um animal, um objeto, ou até uma criatura inventada. Pessoas em todo o mundo usam os bonecos para contar histórias, fazer teatro e brincadeiras, e para ensinar algo. Quem manipula os fantoches é chamado de titereiro, ou titeriteiro.

Fazer um fantoche de meia é muito divertido. O legal deles é que você pode fazer cada um de forma completamente diferente, tendo milhões de possibilidades na hora de criar personagens. E eles não tem que ser humanos – animais e monstrinhos também são ótimas opções!

Para começar, reúna e organize todos os materiais necessários em uma caixa de sapatos com o seu nome. Você vai precisar de pelo menos uma meia limpa, uma agulha grande e linha para costura. Esse é o mínimo necessário. Mas se você quiser exercitar a criatividade para decorar seu boneco e deixá-lo mais original, opções é que não faltam: óculos, bijuterias, acessórios, cabelo, etc. Vamos começar?

 

Como Fazer Fantoche em Feltro – Molde e Passo a Passo

Os fantoches são espécies de bonecos de pano, utilizados na mão, para dar vida ao personagem. São como

luvas em formas de bonecos, que as crianças usam para brincar. Esse tipo de brinquedo é muito popular no mundo todo e bem simples de ser confeccionado. Utilizando tecido, agulha, linha e molde, você cria diversos personagens para a diversão dos pequenos. Trouxemos uma dica de como fazer fantoche utilizando feltro. Confira passo a passo como fazer e moldes para você se inspirar e escolher.

Moldes para fazer fantoche de Feltro

Materiais Necessários:

• ·         Feltro nas cores que preferir e dependendo do boneco;
• ·         Pistola de cola quente e tubo de cola;
• ·         Tesoura;
• ·         Canetinhas, botões, fitas, e outras coisas para decorar.

Como Fazer:

Corte duas vezes o molde do corpo base. Junte as duas partes colando com cola quente, ou costurando as laterais. É importante lembrar de deixar o espaço suficiente para colocar a mão e os dedos.

Se estiver fazendo um animal, importante lembrar de colocar os detalhes, como manchas, barriguinha, rabinho, ou fazer uma espécie de roupa.

Faça a cabeça recortando o feltro duas vezes e colando na parte do corpo. Utilize caneta permanente ou borde os detalhes, como olhos, nariz e boca.

Finalize decorando com fitas, botões e outros adereços de sua preferência

Acesse também:

https://www.youtube.com/watch?v=dvnqNip1hm8

Histórico de Itapipoca

História de Itapipoca 

O povoado de Itapipoca teve sua colonização oficial a 13 de abril de 1744, com a concessão de uma sesmaria na serra de Uruburetama ao Sargento Mor Francisco Pinheiro do Lago, que em seguida repassou para seu genro Jerônimo Guimarães de Freitas (fundador oficial de Itapipoca) e sua esposa Francisca Pinheira do Lago. Situada entre as serras e o mar, inicialmente chamada de São José de 13 de abril de 1744 a 16 de outubro de 1823. Com sua emancipação política a 17 de outubro de 1823 passou a chamar-se de Vila da Imperatriz (hoje distrito de Arapari). Em 31 de Agosto de 1915 já com sede administrativa no Arraial de Itapipoca elevou-se a categoria de Cidade de Itapipoca. Sua colonização foi iniciada há 319 anos, em 7 de outubro de 1683 (século XVII).

A denominação Itapipoca é um vocábulo indígena do dialeto sistematizado pelos jesuítas com a finalidade de catequizar os nativos da grande nação Tupi, que quer dizer PEDRA REBENTADA ou PEDRA LASCADA, uma enorme pedra que se lascou devido à reação térmica do calor do sol e o frio da noite.

Com uma área de 1.191,60 Km que nela convergem três unidades distintas: caatinga arbustiva (SERTÃO), zona litorânea (PRAIA), e complexo vegetacional de matas secas e úmidas (SERRA). Na realidade Itapipoca é conhecida internacionalmente como a cidade dos três climas, que oportunizam seus moradores escolher dentro de tantas belezas naturais, habitar onde o clima lhe é mais agradável. Climas tão distintos numa cidade é fato raro entre outro município.

O sítio paisagístico de maior valor é formado por praias, dunas, lagoas litorâneos e manguezais. Sua temperatura média anual é de 27ºC e que apesar de estar em área de clima tropical úmido é considerada agradável pela presença de ventos. As principais atividades econômicas desenvolvidas são a agricultura, a indústria e o turismo despertando como uma grande possibilidade para aquecer a economia local.

A nossa cultura é de origem portuguesa, indígena e africana, por elas influenciadas: a música, a culinária, a sensualidade das danças, como o forró, quadrilhas, São Gonçalo, carnaval e as festas religiosas, quanto ao artesanato, encontra-se em Itapipoca, uma variedade de bordados, rendas, labirintos, pinturas, esculturas, dentre outras variedades, porém a atividade hoje é considerada importante como atrativo sociocultural mais sem muita significância para a economia local.

Com grandes diversidades naturais e culturais o município apresenta sem sombra de dúvidas um vastos potencial turístico. É possível aliar serra, praia e sertão num só lugar, Itapipoca aposta nesta diferencial e abre as portas para o turismo oferecendo paisagens verdes e saudáveis, sem desprezar histórias e lendas, arte e culinárias, valorizado a cultura e as tradições locais como uma das formas de incrementar  a atividade e agregar valor ao segmento, dentre  os diversos atrativos existentes, o município abriga em sua paisagem, gigantescos monólitos, cachoeira, bicas, olhos d’águas,  trilhas, praias, tanques fossilíferos e até uma gruta com inscrições rupestres, tudo na medida certa para o turismo que ainda chega timidamente  a região.

Charlie Chaplin

Charlie Chaplin

Charles Chaplin (1889-1977) foi ator, cineasta, dançarino, diretor e produtor inglês. Também conhecido por "Carlitos". Foi o mais famoso artista cinematográfico da era do cinema mudo. Ficou notabilizado por suas mímicas e comédias do gênero pastelão. O personagem que mais marcou sua carreira foi "O Vagabundo" (The Tramp), um andarilho pobretão com as maneiras refinadas e a dignidade de um cavalheiro, vestido com um casaco esgarçado, calças e sapatos desgastados e mais largos que o seu número, um chapéu coco, uma bengala e seu marcante bigode.

Charles Chaplin (1889-1977) nasceu em Londres, Inglaterra, no dia 16 de abril de 1889. Seu pai Charles Spencer Chaplin, era vocalista e ator e sua mãe Hannah Chaplin, era cantora e atriz. Seus pais se separam antes de Charles completar três anos. Em 1894 com apenas cinco anos Chaplin subiu ao palco e cantou a música "Jack Jones". Seu pai era alcoólatra e tinha pouco contato com o filho. Morreu de cirrose hepática em 1901. Sua mãe foi internada em um asilo e Chaplin foi levado para uma casa de trabalho e depois transferido para uma escola de crianças pobres.

Em 1908 começou a trabalhar em teatros de variedades fazendo sucesso como mímico. Em 1910 iniciou sua primeira turnê nos Estados Unidos com a trupe de Fred Karmo, retornando a Inglaterra só em 1912. Em 1913 estreia no cinema, nos estúdios Keystone Film Company, onde criou em 1915 a comédia "O Vagabundo" seu mais famoso personagem, um andarilho, pobretão, com as maneiras refinadas e a dignidade de um cavalheiro, vestido com casaco esgarçado, calças e sapatos desgastados e mais largo que o seu número, um chapéu coco uma bengala e seu marcante bigode.

Charles Chaplin dirigiu, editou e produziu vários curta e longa metragens. O cinema mudo era entendido por todos. Produziu vários filmes que se tornaram clássicos do cinema mudo, entre eles "O Garoto" em 1921, que conta a história de um bebê que acaba ficando aos cuidados de um vagabundo; "Em Busca do Ouro" em 1925, que se passa no Alasca em plena corrida do ouro; "Luzes da Cidade" em 1931, que conta a história do vagabundo que se finge de milionário para impressionar uma florista cega, por qual se apaixonou, sendo esse um filme mudo produzido na época do cinema falado; "Tempos Modernos" em 1936, que satiriza a mecanização da modernidade e "O Grande Ditador" em 1940, em que toma partido contra as perseguições raciais na Europa.

Charles Chaplin tem uma vida sentimental intensa casa-se quatro vezes, as três primeiras com estrelas do cinema. Com 54 anos, conhece a filha do teatrólogo irlandês Eugene O'Neill, Oona, de 18 anos, que se torna sua quarta mulher e com quem teve seis filhos e vive até o fim da vida. Acusado de comunismo é perseguido pelo Macarthismo e muda-se, em 1952, para Corsier-sur-Vevey, na Suíça.

Charles Spencer Chaplin faleceu em Corsier-sur-Vevey, na Suíça, no dia 25 de dezembro de 1977.

Filmes de Charles Chaplin

Carlitos Casanova, 1914

O Vagabundo, 1915

O Imigrante, 1917

Vida de Cachorro,1918

Carlitos nas Trincheiras, 1918

Idílio No Campo, 1919

O Garoto, 1921

Pastor de Almas, 1923

Casamento de Luxo, 1923

Em busca do Ouro, 1925

O Circo, 1928

Luzes da Cidade, 1931

Tempos Modernos, 1936

O Grande Ditador, 1940

Monsieur Verdoux, 1947

Luzes da Ribalta, 1952

Um Rei em Nova Iorque, 1957

A Condessa de Hong Kong, 1967

Curiosidade: Tempos Modernos - Charlie Chaplin (1936)Tempos Modernos foi o primeiro filme em que a voz de Chaplin é ouvida (no final do filme, a canção "Smile", composta e cantada pelo próprio Chaplin num dueto com Paulette Goddard). No entanto, para a maioria dos espectadores, este ainda é considerado um filme mudo — e o fim de uma era.

A sétima arte

A Sétima Arte (O Cinema)

No final do século 19, o cinema foi inventado pelos irmãos Auguste e Louis Lumière e, logo, os críticos passaram a considerá-lo um tipo mais recente de arte. No século 20, Ricciotto Canudo, intelectual italiano radicado na França, escreveu o Manifesto das Sete Artes. "Nele, Canudo define o cinema como a sétima arte por ser a arte plástica em movimento, aquela que consegue congregar todas as outras em uma só", diz Ana Maria Giannasi, professora do curso de audiovisual do Senac São Paulo.

Mas se o cinema é a sétima arte, quais são as outras?

São a música, a dança, a pintura, a escultura, a arquitetura e a poesia. Essa definição começou a tomar forma na Europa durante o século 18, quando surgiu o conceito de belas-artes - artes preocupadas com a criação do belo, sem utilidade prática a não ser representar a própria beleza

Curiosidade: Extra-oficialmente, outras artes também recebem numeração, como a fotografia (oitava), os quadrinhos (nona) e os games (décima).

Presentemente, esta é a numeração das artes mais consensual, sendo no entanto apenas indicativa, onde cada uma das artes é caracterizada pelos elementos básicos que formatam a sua linguagem e foram classificadas da seguinte forma:

1ª Arte - Música (som);

2ª Arte - Dança (movimento);

3ª Arte - Pintura (cor);

4ª Arte - Escultura (volume);

5ª Arte - Teatro (representação);

6ª Arte - Literatura (palavra);

7ª Arte - Cinema (integra os elementos das artes posteriores, principalmente a 8ª e no cinema de animação a 9ª).

Outras formas expressivas também consideradas artes foram posteriormente adicionadas à numeração proposta pelo manifesto:

8ª Arte - Fotografia (imagem);

9ª Arte - Banda desenhada (Histórias em Quadrinhos) (cor, palavra, imagem);

10ª Arte - Jogos de Vídeo (a que mais engloba elementos de artes anteriores. É considerada por muitos a forma de arte definitiva, por ser capaz de proporcionar total interação);

11ª Arte - Arte digital (integra artes gráficas computorizadas 2D, 3D e programação).

Salvador Dali

Biografia de Salvador Dali:

Salvador Dali (1904-1989) foi um importante pintor catalão, conhecido pelo seu trabalho surrealista. Os quadros de Dalí chamam a atenção pela incrível combinação de imagens bizarras, como nos sonhos, com excelente qualidade plástica.

Dalí foi influenciado pelos mestres da Renascença e foi um artista com grande talento e imaginação. Era conhecido por fazer coisas extravagantes para chamar a atenção, o que por vezes incomodava os seus críticos.

Salvador Domenec Felip Jacint Dalí Domenech era filho de Salvador Dalí i Cusí (de remota origem árabe), de classe média e figura popular da cidade, e de Felipa Domenech, uma dona-de-casa católica.

Iniciou sua educação artística na Escola de Desenho Municipal. Em 1916, durante férias de verão em Cadaquès, descobriu a pintura impressionista.

Sua primeira exposição pública foi no Teatro Municipal de Figueres, em 1919. Em 1921, sua mãe morreu e, passado um ano, o pai casou-se com Tieta, irmã de Felipa.

Em 1922, Dalí foi viver em Madri, onde estudou na Academia de Artes de San Fernando. Nessa época, ele já chamava a atenção nas ruas como um excêntrico, usando cabelo comprido, longos casacos, um grande laço no pescoço, calças até o joelho e meias altas.

Nos quadros fazia experiências com o cubismo e o dadaísmo. Tornou-se amigo do poeta Federico García Lorca e do cineasta Luis Buñuel.

Dalí foi expulso da Academia de Artes em 1926, depois de declarar que ninguém ali era suficientemente competente para avaliá-lo. Foi nesse mesmo ano que Dalí fez sua primeira viagem a Paris, onde se encontrou com Pablo Picasso.

Nos anos seguintes, realizou uma série de trabalhos influenciados por Picasso e Miró, enquanto ia desenvolvendo seu estilo próprio.

O ano de 1929 foi importante para Dalí. Ele colaborou com Luis Buñuel no curta-metragem "Un Chien Andalou" e conheceu, em agosto, sua musa e futura mulher, Gala Éluard (Elena Ivanovna Diakonova, uma imigrante russa, na época casada com o poeta Paul Éluard).

Ainda em 1929, Dalí fez exposições importantes e juntou-se ao grupo surrealista no bairro parisiense de Montparnasse. Em 1934 Dalí e Gala, que já viviam juntos, casaram-se numa cerimônia civil.

Em 1939 os membros do grupo surrealista expulsaram Dalí por motivos políticos, já que o marxismo era a doutrina preferida no movimento e Dalí se declarava "anarco-monárquico". Dalí respondeu à sua expulsão declarando: "O surrealismo sou eu".

Quando do início da Segunda Guerra, Dalí e Gala mudaram-se para os Estados Unidos, onde viveram durante oito anos. Em 1942, Dalí publicou sua autobiografia "A Vida Secreta de Salvador Dalí".

Na Catalunha Dalí viveu o resto da vida. Em 1960, o pintor começou a trabalhar no Teatro-Museu Gala Salvador Dalí, em Figueres. Foi o projeto de maior vulto de toda a sua carreira e seu principal foco até 1974.

Os últimos anos de vida com Gala foram turbulentos. Ela fazia com que Dalí tomasse antidepressivos e calmantes em altas doses, o que lhe danificaria o sistema nervoso. Gala morreu em 10 de junho de 1982. Dalí ficou profundamente deprimido, perdendo toda a vontade de viver.

Mudou-se de Figueres para um castelo em Pubol. Em 1984, deflagrou um incêndio no seu quarto, em circunstâncias pouco claras. Dalí foi salvo e levado para Figueres, onde um grupo de amigos assegurou que o pintor vivesse confortavelmente seus últimos anos no teatro-museu.

Salvador Dalí morreu de pneumonia e falha cardíaca na cidade onde nasceu e foi sepultado no átrio principal de seu teatro-museu.

As duas maiores coleções de trabalhos de Dalí são o museu Salvador Dalí em Saint Petersbourg, na Flórida, Estados Unidos, e o Teatro-Museu Gala Salvador Dalí, em Figueres, na Catalunha, Espanha.

Tarsila do Amaral

Biografia de Tarsila do Amaral:

Tarsila do Amaral (1886-1973) foi pintora e desenhista brasileira. O quadro "Abaporu" pintado em 1928 é sua obra mais conhecida. Junto com os escritores Oswald de Andrade e Raul Bopp, lançou o movimento "Antropofágico", que foi o mais radical de todos os movimentos do período Modernista. O Movimento foi inspirado no quadro "Abaporu" que significa antropófago (que come carne humana) em tupi. Sobre seu quadro Tarsila diz "Essa figura primitiva e monstruosa nasceu de um sonho". Tarsila ofereceu esse quadro ao namorado Oswald de Andrade, como presente de aniversário.

Tarsila do Amaral (1886-1973) nasceu na Fazenda São Bernardo, no município de Capivari, interior do Estado de São Paulo. Filha de José Estanislau do Amaral Filho e Lydia Dias de Aguiar do Amaral. Era neta de José Estanislau do Amaral, que em razão de ter acumulado fortuna adquirindo fazendas no interior de São Paulo, foi apelidado de "milionário". Seu pai herdou apreciável fortuna e diversas fazendas, nas quais Tarsila passou a infância e adolescência.

Filha de família tradicional e rica estudou em São Paulo no Colégio de freiras e no Colégio Sion. Completa seus estudos em Barcelona, na Espanha, onde pintou seu primeiro quadro, "Sagrado Coração de Jesus", aos 16 anos. Na sua volta ao Brasil casa-se com o noivo André Teixeira Pinto, com quem teve uma filha.

Em 1916 começa a trabalhar no ateliê de William Zadig, escultor sueco radicado em São Paulo. Com ele aprende a fazer modelagem em barro. Separa-se de André Teixeira e em 1920 vai para Paris, onde estuda na Academia Julian, escola de pintura e escultura. Estuda também com Émile Renard.

Tarsila tem uma tela sua admitida no Salão Oficial dos Artistas Franceses em 1922. Nesse mesmo ano regressa ao Brasil e se integra com os intelectuais do grupo modernista. Faz parte do "Grupo dos Cinco", juntamente com Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti del Picchia.

Nessa época, já separada, começa seu namoro com o escritor Oswald de Andrade. Embora não tenha sido participante da "Semana de 22" integra-se ao Modernismo. Volta à Europa em 1923 e mantem contato com os modernistas que lá se encontravam, são intelectuais, pintores, músicos e poetas. Estuda com Albert Gleizes e Fernand Léger, grandes mestres cubistas. Mantém estreita amizade com Blaise Cendrars, poeta franco-suíço que visitou o Brasil em 1924. Inicia sua pintura "Pau-Brasil", dotada de cores e temas acentuadamente brasileiros.

Em 1925 ilustra o livro "Pau-Brasil" de Oswald de Andrade. Em 1926 expõe em Paris, obtendo grande sucesso. Casa-se no mesmo ano com Oswald de Andrade. Em 1928 pinta o "Abaporu" para dar de presente de aniversário a Oswald que se empolga com a tela e cria o "Movimento Antropofágico". É deste período a fase antropofágica da sua pintura. Em 1929 expõe individualmente pela primeira vez no Brasil, no Palace Hotel em São Paulo. Separa-se de Oswald de Andrade em 1930.

Em 1933 pinta o quadro "Operários" e dá início à pintura social no Brasil. No ano seguinte participa do I Salão Paulista de Belas Artes. Começa um relacionamento com o escritor Luís Martins que durou quase vinte anos. De 1936 a 1952, trabalha como colunista nos Diários Associados onde ilustra retratos de grandes personalidades. Nos anos 50, volta ao tema "Pau Brasil". Em 1951 participa da I Bienal de São Paulo. Separa-se de Luís Martins. Em 1963 tem uma sala especial na VII Bienal de São Paulo e no ano seguinte tem participação especial na XXXII Bienal de Veneza.

Tarsila realiza em 1970, no Rio de Janeiro e depois em São Paulo, uma retrospectiva, "Tarsila: 50 anos de Pintura". Recebeu o prêmio "Golfinho de Ouro", em 1971.

Tarsila do Amaral faleceu em São Paulo, no dia 17 de janeiro de 1973.

Francisco de Goya

Biografia de Francisco de Goya:

Francisco de Goya (1746-1828) foi um pintor espanhol do fim do século XVIII e princípio do século XIX. Foi o pintor da corte, dos reis e príncipes, dos nobres cavalheiros e das damas galantes.

Francisco José de Goya y Lucientes (1746-1828) nasceu em Fuendetodos, Aragão, província de Saragoça, na Espanha, no dia 30 de março de 1746. Filho de um dourador e de Gracia Lucientes, filha de decadente, mas nobre família de Saragoça. Aos 13 anos foi entregue aos cuidados do pintor José Luzán y Martínez.

Em 1762 foi para Madri, onde no ano seguinte tentou inscrever-se para uma bolsa na Academia de Belas Artes, mas foi rejeitado. Em 1766, em nova tentativa só recebe um voto de Francisco Bayeu. Frustrado, tenta a vida lutando com os touros na arena de Madri. Em 1770 embarca para a Itália e no ano seguinte inscreve-se na Academia de Belas Artes de Parma, recebendo uma menção honrosa dos examinadores.

Francisco de Goya volta para Saragoça e recebe as encomendas: pintar afrescos na Igreja de Nossa Senhora do Pilar, decorar os muros do convento Aula Dei e executar figuras de santos na Igreja de Ramolinos. De volta a Madri corteja a irmã de Bayeu, Josefa, com quem se casa. Através de Bayeu consegue se aproximar do pintor da corte, Mengs, que em 1776 lhe encomenda uma série de cartões que servirão de modelo para execução da tapeçaria para a residência do príncipe de Astúrias no Palácio do Prado.

Em 1780 foi eleito por unanimidade, membro da Academia de Belas Artes de Madri, que o havia rejeitado duas vezes, com o quadro “Cristo na Cruz”. Em 1785 executa o retrato da Duquesa d’Osuña e do próprio rei, Carlos III. Em 1789, Carlos IV assume o trono e Goya é nomeado “Pintor da Câmara do Rei”, é dessa época “A Família Real” (acervo do Museu do Prado, em Madri).

Em 1792, Francisco de Goya contrai uma doença infecciosa, recupera-se, mas perde a audição. Em 1794 pinta seu autorretrato, nesse período está triste e envelhecido. Em 1796 vai a Sanlúcar, terra da viúva do Duque d’Alba, retrata a “Maja Desnuda”, a “”Maja Vestida” e “Caprichos” – uma série de oitenta gravuras que representa uma sátira da sociedade espanhola do final do século XVIII.

Em 1808, a Espanha é invadida pelas tropas de Napoleão. O artista pinta “O Colosso” (1809), onde retrata o seu horror em relação à guerra. Em 1812 morre sua mulher. Cria a série de gravuras “Desastres da Guerra”, entre elas, “O Fuzilamento” (1814). Em 1819, Goya se refugia numa casa de campo, amargurado e frustrado em relação aos homens.

Em 1820, aos 74 anos, começa a pintar, no muro de sua quinta, imagens sombrias e demoníacas “A Pintura Negra”, que prenunciava seu estado de espírito. Acusado de liberalismo e ameaçado de ser preso, parte para a França. Vai a Bordeaux, depois para Paris. Nessa época redescobre a beleza e pinta “A Leiteira de Bordeaux” (1827), “Os Touros de Bordeaux”, entre outras.

Francisco de Goya faleceu em Bordeaux, França, no dia 16 de abril de 1828. Só em 1899 a Espanha consentiu receber seus restos mortais. Está sepultado em San Antônio Del La Florida, em Madri.

Joan Miró

Biografia de Joan Miró:

Joan Miró (1893-1983) foi um importante pintor, gravador, escultor e ceramista espanhol. Um criador de formas, figuras coloridas, imaginárias e símbolos próprios formados por manchas e por linhas carregadas que caracterizou toda sua obra.

Joan Miró (1893-1983) nasceu em Barcelona, na Espanha, no dia 20 de abril de 1893. Não completou seus estudos, apesar da insistência da família. Estudou comércio e trabalhou dois anos como balconista em uma farmácia, até sofrer uma crise nervosa. Passou um longo tempo na casa da família na aldeia de Mont-Roig del Camp. Em 1912, de volta à Barcelona, ingressou na Academia de Artes, dirigida por Francisco Gali, que o apresentou às últimas tendências artísticas europeias.

Inicialmente, Miró apresentou uma pintura com um estilo expressionista, com influencias fauvistas e cubistas, com tendências de distorcer formas e usar cores pouco reais que destruíam os valores tradicionais. Entre 1915 e 1919, Miró vivia entre Mont-Roig e Barcelona. Em 1919 foi para Paris, onde conheceu Picasso e Tristan Tzaia, um dos iniciadores do Dadaísmo. Aos poucos, sua pintura evoluiu em direção a uma maior definição de forma, eliminando o forte contraste de luz.

Em 1924, a pintura de Miró foi influenciada pelo movimento surrealista que surgiu em Paris, apresentando cenas oníricas e paisagens imaginárias. É dessa época a tela “O Carnaval do Arlequim” (1924-25). Em 1928 pintou “O Interior Holandês”, uma das pinturas mais marcantes do artista. Nesse mesmo ano, o Museu de Arte Moderna adquiriu duas telas de Miró. Após uma viagem aos Países Baixos, onde estudou a pintura dos realistas do século XVII, fez ressurgir os elementos figurativos em suas obras.

Na década de 1930, seus horizontes artísticos se ampliaram. Miró tornou-se mundialmente famoso, expondo regularmente em galerias francesas e americanas. Ele fez ilustrações para livros, fez cenários para balé, passou a interessar-se por colagem e murais e seu grafismo se reduziu a linhas, pontos e manchas coloridas. No fim da dessa década, quando eclodiu a Guerra Civil espanhola (1936-1939), Miró estava em Paris, e sua produção artística foi fortemente influenciada pelos horrores da guerra. São dessa época “O Ceifeiro” e “Cabeça de Mulher”.

No começo da Segunda Guerra Mundial, Miró volta para a Espanha. Nessa época conclui “Constelação”. A partir de 1944, iniciou uma série de murais para o edifício da UNESCO, em Paris, e para a Universidade de Harvard. Em 1954, ganhou o prêmio de gravura da Bienal de Veneza. Em 1956, mudou-se para a ilha de Maiorca, onde instalou um estúdio, na cidade de Son Abrines. Em 1959, o mural que realizou para UNESCO ganhou o Prêmio Internacional da Fundação Guggenheim. Em 1975, abriu a Fundação Miró, em Barcelona.Joan Miró faleceu em Palma de Maiorca, na Espanha, no dia 25 de dezembro de 1983.

Tangram

Tangram

Segundo a lenda, o jogo surgiu quando um monge chinês deixou cair uma porcelana quadrada, que se partiu em sete pedaços, daí seu nome, que significa tábua das sete sabedorias ou tábua das sete sutilezas. De acordo com a lenda, o Tangram é o mais antigo jogo de montar inventado pelo homem e, certamente, o mais engenhoso. Com apenas sete peças, é possível criar 1.700 figuras, entre animais, plantas, pessoas, objetos, letras, números, figuras geométricas e outros.

Imagens Formadas com o Tangram

O Tangram é formado por um quadrado, um paralelogramo e cinco triângulos. As regras desse jogo consistem em usar as sete peças em qualquer montagem, colando-as lado a lado, sem sobreposição. Quando utilizado corretamente, esse jogo desenvolve a capacidade de concentração, a orientação espacial e exercita a criatividade, além de privilegiar a cooperação, pois se torna menos complexo quando é usado em equipe.

Tangram

Grafismo

Grafismo

O grafismo é a arte que prioriza as formas, cores e detalhes, deixando para segundo plano a

Grafismo Indígena

figura ou representação. As linhas em suas mais variadas formas são os elementos principais dessa técnica. Os traços se repetem proporcionalmente, criando um padrão que confere ritmo e equilíbrio ao desenho. Tão diversa quanto as possibilidades de criação é a existência dessa arte em outros universos. Podemos encontrar o grafismo nas culturas indígenas e africana, na moda, na fotografia, em construções, etc.

O grafismo indígena retrata alguns elementos da natureza na sua construção dos desenhos nas pinturas corporais. As técnicas decorativas indígenas são utilizadas tanto na pintura corporal quanto na confecção de utensílios, nos adornos. Cada tribo desenvolve seus padrões e através deles coloca seus traços culturais.

Na fotografia, o grafismo é utilizado para gerar imagens com composições geométricas sem necessidade de outro significado senão o estético. As fotos apresentam detalhes arquitetônicos de construções, objetos coloridos ou situações em que a forma prevalece sobre o conteúdo.

O que é arte?

Arte

Mulher na Noite, 1973, de Joan Miró

A arte é importante para o ser humano. Através dela, é possível fazer registros de nossa história. Entretanto, é difícil conceituá-la. Abaixo estão algumas das definições surgidas ao longo do tempo.

A arte é uma mentira que nos faz compreender a verdade.

(Pablo Picasso)

A arte é o oposto da natureza, uma obra de arte só pode provir do interior do homem.

( Edvard Munch)

A arte não reproduz o visível, mas torna visível.

(Paul Klee)

É o conjunto de preceitos para perfeita execução de qualquer coisa; atividade criativa; artifício; ofício; profissão; astúcia; habilidade.

(Dicionário Aurélio Buarque de Holanda)

Perceba no dia a dia, o uso da palavra arte:

• Aquela menina é trelosa, vive fazendo arte!
• Comprei uma roupa que é uma verdadeira arte!
• Meu filho é lindo, uma arte!
• Conheci um médico-cirurgião que faz arte!

+ informações sobre o tema

A arte não é apenas a expressão do belo. Ela é algo constante em nossa vida. Desde criança, utilizamos a arte para nos expressar seja desenhando, cantando, interpretando, inventando histórias; estamos rodeados por manifestações artísticas.

Dessa forma, fica fácil entender que a arte não apenas é encontrada nos museus, teatros, exposições ou nos livros. Ela vai muito além das obras, imagens, símbolos e palavras produzidas pelo ser humano. Além disso, é importante perceber que ela não apenas transmite ideias, mas provoca os sentimentos, sensações. Algumas obras podem ser consideradas ridículas e sem sentido para uns, e emocionante para outros. Por isso, a arte é uma constante contradição.

Para fazer e apreciar arte, é importante estar atento às mudanças sociais, buscar o diferente, inventar, inovar e criar.

O Mamoeiro (1925) - Tarsila do Amaral

Saru

Desenhando o Saru

Mas afinal o que é um Saru?? É algo de comer?? Hmm.. parece gostoso.. kkkk

Nada disso, o Saru na verdade é o nome do mascote do nosso blog, ele foi apresentado na primeira aula de artes, quer dizer, na segunda aula de artes do CEOA, feito a partir do número 5. 

Mas, por que Saru?

A palavra 'saru', em japonês, significa "macaco". Na cultura japonesa, os macacos são considerados como "mensageiros de Deus". São conhecidos também como símbolos da sorte e proteção contra os infortúnios e podem ser vistos em representações de estátuas em templos e santuários por todo o país. Uma das mais famosas é o entalhe dos Três Macacos Sábios - "Não ouça o mal, não fale o mal e não veja o mal" - localizado no Santuário Toshogu, na cidade de Nikko. Além disso, os macacos são personagens recorrentes de lendas folclóricas japonesas.

Abaixo está o passo a passo para fazê-lo.

Passo a passo para fazer o Saru

Cultura, expressão e arte

Cultura

Cultura significa todo aquele complexo que inclui o conhecimento, a arte, as crenças, a lei, a moral, os costumes e todos os hábitos e aptidões adquiridos pelo ser humano não somente em família, como também por fazer parte de uma sociedade da qual é membro.

Cada país tem a sua própria cultura, que é influenciada por vários fatores. A cultura brasileira é marcada pela boa disposição e alegria, e isso se reflete também na música, no caso do samba, que também faz parte da cultura brasileira.

No caso da cultura portuguesa, o fado é o patrimônio musical mais famoso, que reflete uma característica do povo português: o saudosismo.

Cultura também é definida em ciências sociais como um conjunto de ideias, comportamentos, símbolos e práticas sociais, aprendidos de geração em geração através da vida em sociedade.

Seria a herança social da humanidade ou ainda, de forma específica, uma determinada variante da herança social. Já em biologia a cultura é uma criação especial de organismos para fins determinados.

A cultura é um conceito que está sempre em desenvolvimento, pois com o passar do tempo ela é influenciada por novas maneiras de pensar inerentes ao desenvolvimento do ser humano.